Darkest Hour – Suffer Divine (Review)
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Darkest Hour – Suffer Divine
🤏 Kurzfazit: Elfmal voll auf die Fresse, einmal mitten ins Herz
Darkest Hour haben nach drei Jahrzehnten keineswegs beschlossen, ihren musikalischen Ruhestand mit gepflegtem Midtempo und altersgerechten Refrains einzuleiten. Stattdessen besinnen sich die Amerikaner auf ihre alte Liebe zum schwedischen Melodic Death Metal, kombinieren sie mit Hardcore-Wut und lassen ihre beiden Gitarristen zu einer geradezu unverschämten Demonstration musikalischer Spielfreude antreten. Suffer Divine ist schnell, melodisch, technisch anspruchsvoll und emotional erheblich vielschichtiger, als die aggressive Oberfläche zunächst vermuten lässt. Nicht jeder Song besitzt dieselbe Eigenständigkeit, doch die Höhepunkte sind gewaltig.
🧭 Für wen & vergleichbar mit
Für Freunde von At The Gates, frühen In Flames, Unearth, The Black Dahlia Murder und Heaven Shall Burn. Wer Metalcore vor allem wegen seiner melodischen Refrains hört, sollte allerdings wissen: Hier werden die Melodien überwiegend von den Gitarren geliefert. Gesanglich herrscht weiterhin akute Lebensgefahr.
🏆 Die vier stärksten Argumente, die Grabold finden konnte
🔥 Salvation – Fünf Minuten Melodic Death Metal mit schwedischem Stammbaum und amerikanischem Temperament.
⚔️ Warrior – Ein Lehrstück darüber, wie sich technische Präzision und unmittelbare Wucht gegenseitig verstärken.
🖤 The Unforgiving Hand – Ein unerwarteter Ausflug in melancholische Gitarrenlandschaften, bevor die Realität wieder zuschlägt.
🌑 A Story of Redemption – Ein nahezu siebenminütiges Finale, das dem ganzen Album seinen emotionalen Sinn gibt.
🚫 Wer hier eher eine Runde um den Block machen sollte
Definitiv kein Stoff für Hörer, die sich zwischen zwei aggressiven Passagen grundsätzlich nach einem freundlich gesungenen Refrain sehnen. Auch wer bei ausgedehnten Gitarrensoli nervös auf die Uhr schaut, wird nicht immer glücklich. Darkest Hour haben ihre Virtuosität entdeckt und gedenken offensichtlich nicht, sie aus falscher Bescheidenheit zu verstecken.
🩸 Darkest Hour – Suffer Divine: Die Wut wird älter. Die Gitarren nicht.
Hm, wir haben es ja alle schon mal gehört: Manche Bands werden mit dem Alter milder. Die Wut weicht der Altersweisheit, die Geschwindigkeit der Gemütlichkeit, und irgendwann erscheinen die ersten Songs über das Wunder eines entspannten Sonntagnachmittags. Darkest Hour haben offenbar beschlossen, diesen Teil der musikalischen Evolution vollständig auszulassen.
Seit Mitte der Neunzigerjahre verbindet die Band aus Washington, D.C. amerikanische Hardcore-Aggression mit der melodischen Gitarrensprache des schwedischen Death Metal. Ihr früher Stil entstand in einer Zeit, als sich Punk, Metal und Hardcore noch gegenseitig misstrauisch beäugten, obwohl sie längst denselben Proberaum verwüsteten.
Inzwischen gehört die Gruppe zu den Veteranen einer ganzen musikalischen Bewegung. Das elfte Studioalbum Suffer Divine erscheint rund drei Jahrzehnte nach ihren Anfängen, und eigentlich müsste man erwarten, dass eine solche Karriere irgendwann in routinierter Selbstverwaltung endet.
Doch bereits nach wenigen Minuten wird deutlich: Hier wird nicht die eigene Vergangenheit verwaltet. Hier wird sie noch einmal kräftig durchgeschüttelt. Nach dem nur 37 Sekunden langen Intro All Cruelty Springs From Weakness, einem nervösen Gemisch aus Schreien, Geräuschen und drohender Stille, rast Gods of Decay los, als müsse die Band drei Jahrzehnte aufgestauten Ärger innerhalb eines einzigen Songs loswerden.
Die Gitarren schneiden, das Schlagzeug treibt unerbittlich voran, und John Henry klingt, als hätte ihm gerade jemand erklärt, dass auch seine nächsten dreißig Jahre aus schlechten Nachrichten bestehen werden. Was Suffer Divine jedoch von einem gewöhnlichen Aggressionsprogramm unterscheidet, ist seine eigentliche Grundidee.
Schmerz ist unvermeidlich. Aber was daraus entsteht, ist nicht zwangsläufig vorbestimmt.
Diese Vorstellung durchzieht das Album. Wut kann zerstören, sie kann lähmen, sie kann Menschen gegeneinander aufbringen. Sie kann aber auch zur Energie werden, aus der Widerstand, Selbstbehauptung und Veränderung entstehen.
Das klingt nach einer ziemlich anspruchsvollen Botschaft für eine Platte, die streckenweise den Eindruck vermittelt, sämtliche Möbel eines Einfamilienhauses in handliche Einzelteile zerlegen zu wollen.
Und genau darin liegt dann auch ihr Reiz. Wir haben uns darum mal ein bisschen Leidenszeit gegönnt.
🎧 Was erwartet dich?
Genre(s): Melodic Death Metal, Metalcore, Melodic Metalcore, Death Thrash, Hardcore
🎼 Musikalische Einordnung: Suffer Divine verschiebt den Schwerpunkt gegenüber Perpetual | Terminal von 2024 wieder deutlicher zum Melodic Death Metal. Die Göteborg-Schule ist dabei unüberhörbar: schnittige Harmoniegitarren, rasante Läufe, ineinandergreifende Melodien und jene eigentümliche Verbindung aus Aggression und Melancholie, die At The Gates einst so wirkungsvoll etablierten.
Dazu kommen Hardcore-Riffs, Thrash-Impulse und gelegentlich progressive Strukturen. Die Songs leben weniger vom klassischen Metalcore-Wechsel zwischen geschrienen Strophen und melodischem Refrain als vom Zusammenspiel zweier außerordentlich aktiver Gitarren. Mike Schleibaum und Nico Santora übernehmen häufig Aufgaben, die andernorts ein zweiter Sänger erledigen würde: Sie schaffen Kontraste, beantworten musikalische Phrasen und verleihen selbst den aggressivsten Passagen eine melodische Richtung.
🔊 Klangbild: Produzent Mark Lewis hat den fünf Musikern einen druckvollen, klar konturierten Sound gegeben. Die Gitarren besitzen Biss, ohne in einer undurchdringlichen Verzerrungswand zu verschwinden. Gerade die vielen kleinen Verzierungen, Harmoniewechsel und Solopassagen profitieren davon. Travis Orbin treibt die Musik mit enormer Präzision voran, während Aaron Deal das rhythmische Fundament stabilisiert. John Henrys Gesang bleibt rau, unmittelbar und weitgehend frei von Zugeständnissen an melodische Eingängigkeit.
Das Ergebnis ist dicht, aber selten unübersichtlich. Allenfalls die starke Ausrichtung auf technische Perfektion kostet manche Passage etwas von jener rohen Unberechenbarkeit, die frühen Metalcore so gefährlich machte.
🎬 Offizielles Video: Salvation
Das zum Albumstart veröffentlichte Video zu Salvation zeigt einen der melodisch überzeugendsten Songs der Platte. Hier lässt sich besonders gut nachvollziehen, wie eng Darkest Hour ihre rasanten Gitarrenbewegungen mit dem emotionalen Kern der Komposition verbinden.
😶🌫️ Vier Gründe, warum diese Gitarren Überstunden machen
🔥 Salvation: Göteborg liegt plötzlich am Potomac
Wer bei amerikanischem Metalcore vor allem an Breakdowns und halbwegs zugängliche Refrains denkt, sollte sich diesen Song genauer anhören. Salvation ist in erster Linie eine Liebeserklärung an den klassischen Melodic Death Metal. Die Gitarren entwickeln eine schnelle, melodisch verschachtelte Bewegung, deren schwedische Herkunft kaum zu überhören ist. Erinnerungen an die Hochphase von At The Gates drängen sich auf, doch Darkest Hour belassen es nicht bei einer nostalgischen Nachstellung.
Die Rhythmik besitzt einen härteren, amerikanisch geprägten Zugriff, und der Gesang von John Henry lässt gar nicht erst die Vermutung aufkommen, dass es hier gemütlich werden könnte. Besonders wirkungsvoll ist die Balance zwischen Geschwindigkeit und Melodieführung. Die Riffs jagen vorwärts, ohne dass die Komposition ihre Konturen verliert. Die Gitarren bewegen sich dabei nicht einfach synchron, sondern ergänzen und kommentieren sich gegenseitig.
Gerade diese melodische Doppelstruktur verleiht Salvation seine emotionale Tiefe. Dabei ist der Song auch inhaltlich bemerkenswert. Erlösung erscheint hier nicht als Geschenk einer höheren Macht, sondern als Ergebnis eigener Entscheidungen. Schmerz wird nicht verklärt, sondern als Erfahrung begriffen, mit der man umgehen lernen muss. Das ist eine wesentlich unbequemere Botschaft als die üblichen Aufforderungen, möglichst laut gegen das Schicksal anzuschreien. Der gelungene Gitarrenschluss führt den Gedanken musikalisch weiter. Nach der aufgestauten Aggression entsteht für einen Augenblick etwas, das beinahe wie Zuversicht klingt.
Die Amerikaner haben den schwedischen Melodic Death Metal nicht neu erfunden. Aber sie führen überzeugend vor, weshalb er noch immer so viel erzählen kann.
⚔️ Warrior: Der gefährlichste Gegner wohnt zwischen den Ohren
Es gibt unzählige Metal-Songs über Krieger. Die meisten beschäftigen sich mit Schwertern, Schlachtfeldern und der Frage, ob man seinen Gegner möglichst eindrucksvoll in die ewigen Jagdgründe befördern kann. Warrior wählt einen anderen Zugang. Der eigentliche Gegner ist hier das eigene Denken. Die innere Auseinandersetzung zwischen Selbstzweifel, Wut und dem Wunsch nach Kontrolle erhält eine entsprechend rastlose musikalische Form. Dabei beeindruckt besonders das Zusammenspiel der Instrumente. Travis Orbin spielt nicht einfach einen besonders schnellen Rhythmus. Seine Akzente und rhythmischen Verschiebungen beeinflussen fortwährend, wie die Gitarren wahrgenommen werden.
Aaron Deals Bass gibt dieser Bewegung das notwendige Gewicht. Und dann ist da Nico Santoras Solospiel. Es verbindet technische Beweglichkeit mit einer melodischen Entwicklung, die weit über das übliche Zurschaustellen schneller Finger hinausgeht. Die Gitarrenarbeit besitzt etwas beinahe Progressives, ohne die unmittelbare Kraft des Songs zu verlieren. Gerade das macht Warrior zu einem der überzeugendsten Beispiele für den gegenwärtigen Stil der Band. Hier wird nicht bloß technische Fertigkeit vorgeführt. Sie ist Teil der Komposition.
Die Musik bleibt aggressiv und unmittelbar, doch unter ihrer Oberfläche arbeitet eine erstaunlich komplexe Konstruktion. Ein Song über Selbstbeherrschung, vorgetragen mit der musikalischen Zurückhaltung eines außer Kontrolle geratenen Panzerbataillons. Der Widerspruch funktioniert hervorragend.
🖤 The Unforgiving Hand: Pink Floyd betreten den falschen Proberaum
Mitten in einem Album voller Raserei erlauben sich Darkest Hour einen ungewöhnlichen Umweg. The Unforgiving Hand beginnt mit ruhigen, melancholischen Gitarren. Akustische Klänge und ein ausgedehntes Solo dominieren die ersten zweieinhalb Minuten, bevor Schlagzeug und Gesang die Komposition wieder in vertrautere Gefilde führen.
Der Einfluss von Pink Floyd ist dabei kein nachträglich erfundener Kritikervergleich. Die Band selbst nennt ihre Liebe zu den britischen Progressive-Rock-Legenden als einen Ausgangspunkt für das Stück. Das ist interessant, weil sich die melodische Funktion der Gitarre hier verändert. Normalerweise entwickeln Darkest Hour ihre Melodien aus der Bewegung heraus. Sie schneiden durch aggressive Riffs, umkreisen den Rhythmus oder treiben einen Song weiter vorwärts.
In The Unforgiving Hand dürfen sie zunächst einfach Raum einnehmen. Die Melodie muss nichts übertönen. Sie muss keinen Kampf gewinnen. Sie darf sich entfalten. Dieser Perspektivwechsel ist die eigentliche Stärke der Komposition. Dass der spätere Einbruch der härteren Instrumentierung so wirkungsvoll erscheint, liegt gerade daran, dass die Band vorher genügend Zeit für den Aufbau einer anderen Stimmung verwendet.
Man könnte einwenden, dass die ausgedehnte Gitarreneinleitung den eigentlichen Song etwas verzögert. Tatsächlich bewegt sich die Komposition an der Grenze zwischen dramaturgischer Geduld und demonstrativer Virtuosität. Aber innerhalb des Albums erfüllt sie eine wichtige Funktion. The Unforgiving Hand ist ein Augenblick, in dem sich die Musik nicht gegen den Schmerz stemmt, sondern ihn zunächst betrachtet.
Die Wut verlässt für einen Moment den Raum. Zurück bleiben ihre Folgen.
🌑 A Story of Redemption: Das Leben ist kein Heldenepos
Fast sieben Minuten benötigt das abschließende A Story of Redemption, um seine Geschichte zu erzählen. Und ausgerechnet hier, am Ende eines Albums, das über weite Strecken mit beeindruckender Geschwindigkeit vorangetrieben wurde, zeigen Darkest Hour ihre vielleicht interessanteste Seite. Die Komposition besitzt eine deutlich ausgeprägte erzählerische Struktur. Sie folgt weniger dem Muster einer Folge austauschbarer Energieausbrüche als einer musikalischen Entwicklung, die auf einen Abschluss hin arbeitet.
Inhaltlich geht es um die Geschichte, die ein Mensch über sein eigenes Leben erzählt. Wer ist darin der Held? Wer trägt Verantwortung? Welche Niederlagen waren unvermeidlich, welche wurden selbst verursacht? Und wie viel Freiheit bleibt, wenn man die eigenen Gewohnheiten und Selbsttäuschungen erst einmal erkannt hat? Das ist bemerkenswert weit entfernt vom üblichen Metal-Vokabular des ewigen Sieges durch grenzenlose Willenskraft.
Musikalisch führen Darkest Hour mehrere ihrer Stärken zusammen: drängende rhythmische Passagen, ausgedehnte melodische Gitarrenbewegungen und eine Aggression, die nicht um ihrer selbst willen eingesetzt wird. Die Länge wirkt dabei weitgehend gerechtfertigt.
Natürlich könnte man manche instrumentale Entwicklung etwas straffen. Doch gerade die ausgedehnten Passagen geben dem Finale jene Größe, die ein Album mit einem solchen thematischen Anspruch benötigt. Bemerkenswert ist zudem, dass die Geschichte keine einfache Erlösung verspricht. Sie stellt Fragen nach Verantwortung, Selbstbild und Veränderung, ohne sie mit einer bequemen Heldenerzählung zu beantworten.
Manchmal ist der Mensch, vor dem man gerettet werden muss, ausgerechnet derjenige, den man jeden Morgen im Spiegel sieht.
Das ist kein besonders angenehmer Gedanke. Aber ein richtig guter Schluss für dieses Album.
🖼️ Artwork: Wenn die Schönheit in Scherben liegt
Drei beschädigte Gesichter schweben in einem dunklen, braun getönten Raum. Ihre Formen erinnern an klassische Marmorskulpturen, deren ehemals glatte Oberflächen zerbrochen, abgesplittert und teilweise bis zur Unkenntlichkeit deformiert sind. Dazwischen schneiden helle, leicht rosafarbene Lichtbahnen diagonal durch die Szenerie. Schon auf den ersten Blick entsteht ein eigentümlicher Widerspruch.
Die Gesichter besitzen noch immer jene Würde und Anmut, die man mit antiker Bildhauerei verbindet. Doch ihre Zerstörung ist ebenso deutlich sichtbar. Teile scheinen herausgebrochen, andere wirken verschoben oder von einer unsichtbaren Kraft auseinandergerissen. Nichts an diesen Figuren ist vollständig. Und trotzdem haben sie ihre Ausdruckskraft nicht verloren.
Besonders das mittlere Gesicht mit seinem weit geöffneten Mund fällt auf. Es könnte schreien, vor Schmerz aufstöhnen oder etwas ausrufen, das niemand mehr hören kann. Darüber liegt ein weiterer, stärker zerfallener Kopf. Unterhalb der Bildmitte erscheint eine dritte Büste, die beinahe aus dem Dunkel herauswächst. Die Darstellung besitzt etwas Archäologisches. Als hätte jemand die Überreste einer vergangenen Zivilisation ausgegraben, sie jedoch nicht sorgfältig restauriert, sondern unmittelbar mit ihren Beschädigungen ausgestellt.
Gerade darin liegt die Verbindung zur Musik. Suffer Divine beschäftigt sich mit Verletzungen, Verlusten und der Möglichkeit, aus schmerzhaften Erfahrungen eine neue Form von Stärke zu entwickeln. Das Cover illustriert diesen Gedanken, ohne ihn plump auszubuchstabieren.
Die Figuren sind beschädigt. Aber sie sind nicht bedeutungslos geworden.
Auch die Farbgebung trägt zur Wirkung bei. Das dunkle Braun wirkt schwer und beinahe erdig, während die hellen Steinflächen einen scharfen Gegensatz bilden. Die goldenen Schriftzüge setzen einen ungewöhnlich warmen Akzent über ein Motiv, das ansonsten kaum Trost anbietet. Das ist eine überzeugende gestalterische Entscheidung. Viele extreme Metal-Alben zeigen Zerstörung, um möglichst brutal zu wirken. Dieses Cover interessiert sich stärker für das, was nach der Zerstörung zurückbleibt.
Es zeigt keine makellosen Helden. Es zeigt die Überreste eines Schönheitsideals, das seine Verletzungen nicht länger verbergen kann.
Und genau das macht es zu einem starken visuellen Gegenstück der Musik.
✨ Besondere Momente: Die Kunst, aus Schmerz keine Gebrauchsanweisung zu machen
🧠 Der Unterschied zwischen Schmerzen und Leiden
Der zentrale Gedanke des Albums ist durchaus philosophisch. Schmerz entsteht durch Ereignisse, Verletzungen und Verluste. Leiden beschreibt dagegen auch den Umgang mit diesen Erfahrungen: die Erinnerungen, die Angst vor ihrer Wiederholung, die Geschichten, die man sich darüber erzählt.
Darkest Hour greifen diese Unterscheidung auf und entwickeln daraus die Frage, ob das Erlebte zwangsläufig zur dauerhaften Last werden muss. Die Idee besitzt allerdings eine problematische Grenze. Nicht jedes Leiden lässt sich durch eine Änderung der eigenen Einstellung überwinden. Aus der berechtigten Hoffnung auf Selbstbestimmung darf keine moralische Verpflichtung werden, immer stärker aus jeder Verletzung hervorzugehen.
Interessanterweise entgehen die Texte einer allzu einfachen Erlösungsbotschaft gerade dadurch, dass sie die Wut nicht leugnen. Sie ist weiterhin vorhanden. Sie darf ausgesprochen werden. Sie wird nicht durch optimistische Lebensweisheiten ersetzt. Das macht das Konzept glaubwürdiger.
🎸 Zwei Gitarren und ein ziemlich großes Selbstbewusstsein
Bei Darkest Hour gehört die doppelte Gitarrenbesetzung seit jeher zur musikalischen Identität. Auf Suffer Divine wird sie allerdings auffallend stark zum kompositorischen Mittelpunkt. Mike Schleibaum liefert als Rhythmusgitarrist die strukturelle Grundlage, während Nico Santora mit seinem Leadspiel die melodische Ebene erweitert.
Dabei geht es nicht nur um klassische Soli. Oft entsteht die eigentliche Spannung durch die Art, wie sich rhythmische Figuren und Melodielinien gegenseitig verändern. Ein Riff bekommt eine zusätzliche Bedeutung, sobald darüber eine andere harmonische Bewegung einsetzt.
Das ist ein wichtiger Unterschied zwischen bloßer Geschwindigkeit und musikalischer Ausarbeitung. Schnell spielen können viele. Bei hohem Tempo noch etwas Sinnvolles zu erzählen, ist die eigentliche Kunst.
🥊 Der Mann am Mikrofon bleibt unangenehm
John Henry hat sich auch nach drei Jahrzehnten nicht in einen Sänger verwandelt, der seine Aggression durch besonders gepflegte Melodiebögen entschärfen möchte. Sein Vortrag bleibt rau, gepresst und stets konfrontativ. Gerade dadurch unterscheiden sich Darkest Hour von zahlreichen Metalcore-Bands, die ihre harten Passagen regelmäßig mit radiotauglichen Refrains auflockern.
Henry überlässt die melodische Entspannung weitgehend seinen Gitarristen. Das kann anstrengend sein. Über längere Strecken fehlt seinem Gesang manchmal eine größere klangliche Bandbreite. Aber die Entscheidung ist konsequent. Die Stimme verkörpert den Konflikt, während die Instrumente nach einem Ausweg suchen. Und solange diese Rollenverteilung so überzeugend funktioniert wie auf Suffer Divine, ist sie keine Schwäche, sondern ein wesentlicher Bestandteil des Bandcharakters.
🕳️ Die alltäglichen Abgründe sind die schlimmsten
Neben den persönlichen Konflikten beschäftigen sich Darkest Hour auch mit gesellschaftlicher Grausamkeit. Der Titelsong richtet sich ausdrücklich gegen Menschen, die Hass und Spaltung fördern und die Verletzlichkeit anderer für ihre eigene Macht ausnutzen. Tribalist befasst sich mit den zerstörerischen Folgen gesellschaftlicher Lagerbildung. Everyday Horrors nimmt schließlich eine Gegenwart ins Visier, in der Überwachung, digitale Abhängigkeit und vermeintliche Wahlfreiheit zunehmend ineinander übergehen.
Musikalisch nähert sich die Band dabei stärker dem Thrash und Crossover an. Das ist eine interessante Entwicklung. Denn der gesellschaftskritische Impuls stammt erkennbar nicht allein aus dem Metal, sondern ebenso aus der Hardcore-Vergangenheit der Gruppe. Die Wut besitzt hier eine Adresse. Und gerade deshalb wirkt sie überzeugender als die endlosen, austauschbaren Beschwörungen einer grundsätzlich verdorbenen Menschheit.
🌒 Hintergrund: Die Veteranen-Brandstifter aus Washington
Darkest Hour gehören zu den Bands, die den amerikanischen Metalcore wesentlich mitgeprägt haben, ohne jemals vollständig in dessen kommerziell erfolgreicheren Ausprägungen aufzugehen. Gegründet Mitte der Neunzigerjahre in Washington, D.C., entwickelte die Gruppe früh eine Verbindung aus Hardcore-Energie, Death-Metal-Härte und schwedisch beeinflusster Gitarrenmelodik.
Alben wie Hidden Hands of a Sadist Nation, Undoing Ruin und Deliver Us festigten ihren Ruf als Musiker, die den amerikanischen Metalcore stärker mit europäischem Melodic Death Metal verzahnten. Mit Perpetual | Terminal kehrte die Band 2024 nach längerer Veröffentlichungspause zurück. Suffer Divine setzt diesen neuen Abschnitt fort, verschiebt den musikalischen Schwerpunkt jedoch erneut.
Die Aufnahmen entstanden 2026 in Nashville unter der Leitung von Mark Lewis, der unter anderem mit The Black Dahlia Murder, Whitechapel und Cannibal Corpse gearbeitet hat. Seine Erfahrung mit technisch anspruchsvollem Extrem-Metal ist deutlich zu erkennen. Gerade die Gitarren profitieren von einer Produktion, die ihre zahlreichen melodischen Details nicht unter einer massiven Klangwand begräbt.
Doch der vielleicht wichtigste Hintergrund ist die Beständigkeit der Gruppe. Während viele Bands aus ihrer Generation längst verschwunden sind oder sich auf gelegentliche Nostalgietourneen beschränken, veröffentlichen Darkest Hour weiterhin neues Material, das mehr sein möchte als eine Erinnerung an frühere Erfolge. Das allein garantiert natürlich noch keine musikalische Qualität. Aber es erklärt, weshalb Suffer Divine so entschlossen klingt.
Diese Musiker müssen niemandem mehr zeigen, dass sie verdammt schnell, aggressiv oder technisch versiert spielen können. Sie müssen nur noch beweisen, dass sie damit auch etwas zu sagen haben.
📋 Fazit: Nicht jede Narbe braucht ihren eigenen Heiligenschein
Nein, nein. Suffer Divine ist kein revolutionäres Album. Wer nach einer radikalen Neuerfindung von Melodic Death Metal und Metalcore sucht, wird hier nicht fündig. Die musikalischen Einflüsse sind klar zu erkennen, manche Riffs bewegen sich auf vertrautem Terrain, und gelegentlich scheinen die Gitarristen so begeistert von ihren Möglichkeiten, dass die eigentliche Komposition etwas in den Hintergrund tritt.
Auch John Henrys kompromisslos harscher Gesang besitzt nicht die größte Variationsbreite. Doch das sind überschaubare Einwände gegen eine Platte, die in ihren wesentlichen Disziplinen bemerkenswert überzeugend arbeitet.
Die Gitarren sind hervorragend. Nicht nur schnell oder technisch brillant, sondern melodisch ausdrucksstark und häufig dramaturgisch sinnvoll eingesetzt. Die Rhythmusgruppe spielt mit einer Präzision, die selbst komplexe Arrangements mühelos zusammenhält. Und vor allem besitzt das Album einen emotionalen Zusammenhang, der über die einzelnen Songs hinausreicht.
Von der unmittelbaren Aggression in Gods of Decay und dem Titelsong über die melodischen Entwicklungen von Salvation und Warrior bis zur nachdenklicheren Seite von The Unforgiving Hand entsteht eine nachvollziehbare Bewegung. Das abschließende A Story of Redemption verleiht diesem Verlauf schließlich einen wirkungsvollen Schlusspunkt.
Natürlich ist hier nicht alles gleich stark. Gerade die zweite Hälfte zeigt gelegentlich, dass technische Raffinesse allein noch keinen außergewöhnlichen Song ergibt. Doch die musikalische Substanz stimmt.
Darkest Hour haben nach mehr als drei Jahrzehnten nicht einfach gelernt, ihre Wut professioneller zu verpacken. Sie wissen vielmehr, wie man sie mit anderen Gefühlen verbindet, ohne dass sie an ursprünglicher Kraft verliert. Das ist ein beachtlicher Unterschied.
Die alten schwedischen Einflüsse sind weiterhin unverkennbar. Der Hardcore steckt noch immer tief im musikalischen Fundament. Und die Lust am Gitarrenspiel scheint mit jedem zusätzlichen Lebensjahr eher zuzunehmen.
Die Wut ist älter geworden. Aber sie hat noch lange nicht aufgegeben.
Und solange sie noch solche Melodien hervorbringt, darf sie gerne bleiben.
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